韩团打歌舞台导播技巧解析
音乐打榜类节目（以下简称“打榜节目”）按电视节目形态划分可归为歌舞类节目，又有其创新之处。作为一档真人表演的歌舞类节目，其表现形式从属于舞台艺术。通过电视，精彩的舞台表演从视、听两方面刺激人们的神经。韩国现代流行音乐多以组合或乐队形式出现，场面更有气势。韩国是一个造星能力极强的国家，亚洲最大的娱乐造星公司S.M、YG、JYP等都可为韩国各打榜节目源源不断地输送新鲜血液（在韩国，娱乐造星公司兼顾歌曲、唱片制作、艺人培养等功能）。各娱乐公司与电视台形成了良好的供需关系，使双方达到互利共赢的目的。为此，各电视台积聚大量人力物力打造自己的打榜王牌节目，其目的之一是宣传各娱乐公司及其歌手，使两者之间的经济利益达到最大化。本文以《M！Countdown》、《音乐银行》、《音乐中心》、《人气歌谣》等打榜节目的共性特点为例，分析此类节目的成功原因。
一、新颖的节目编排设计
“韩国音乐打榜节目由以下几部分组成：Comeback Stage、Special Stage、Goodbye Stage、应援舞台、安可舞台。”[1]根据不同时间不同地点的需要，电视台还会特别制作“总结
篇”、颁奖典礼等节目。例如：Mnet每年举办的MAMA音乐盛典、KBS电视台制作的《歌谣大祝祭》、SBS电视台的《歌谣大战》、MBC电视台的《歌谣大祭典》。在众多节目组成部分中，各个舞台的表现形式又是多种多样的，其中，Comeback Stage以录播为主（一般歌手回归准备两首歌，其中专辑主打歌部分为录播）。因为Comeback Stage需要大量的舞台布景设计、繁复的灯光照明，以及声势浩大的应援团队，所以采用录播的形式可以更好地弥补直播过程中不可避免的失误，达到完美的打歌舞台表演效果。一般来说，正式打榜的歌曲采用现场直播的方式播放（Comeback Stage 和Goodbye Stage的歌曲不参加打榜）。这种节目编排模式：
其一，为了将现场打歌歌曲的实时短信得票数及观众现场打分数累加，所以采用现场直播。
其二，更好地展现现场真实性。采用现场直播进行舞台表演，表演者如果表演失误，就没有重新开始的机会，现场摄像如果失误，同样没有弥补的机会，任何微小的失误都会暴露在观众面前，这就要求演员的表演及摄像与导播的切换一气呵成。因此韩国的打榜节目要求表演艺人和现场节目制作团队配合非常默契。
其三，增强现场互动性，增加观众紧张感。现场直播可以直观地把观众对节目的满意程度揭示出来，将哪首歌曲的应援口号响亮、哪首歌曲的支持率不尽如人意等细节展现给观众，这种方法不仅增强了现场互动性，而且加剧了观众的紧张感。因为每人支持的歌手不同，他们都希望自己支持的偶像表现得最好。采用现场直播的方式，最能展现音乐打歌节目的本质——互动性。通过这种新颖的节目编排设计，韩国打榜节目才能成为各电视台常胜不衰的王牌节目。
二、精湛的摄像技术
韩国现代
韩国流行音乐表演形式多为歌伴舞表演或组合表演，音乐节奏感极强，歌曲及舞蹈中表现的内涵丰富。因此，打榜节目的摄像师要求极高，特别是现场直播部分，镜头分配必须相当精确。每次直播前，节目编导都会反复观看各个组合的表演，并进行反复彩排，仔细研究每个歌手及组合中每位成员的歌词分配，然后撰写脚本，反复揣摩，最终编写出最能被大众接受的分镜头脚本。韩国打榜节目摄像镜头运用的基本规律，大致有三点：
（一）移动镜头多于静止镜头
人们在观看舞台表演时，一直坐在固定的位置上，所以视野是固定的，并且观众视线距离舞台过远，舞台上令人眼花缭乱的细节刻画及演员的面部表情很难被人们欣赏到，因此，对于观看舞台表演的观众来说多少会有遗憾。移动镜头可以在很大程度上弥补电视前观众的视觉观赏缺憾。
以一组实景镜头来分析移动镜头在韩国打榜节目中的运用及效果。这组镜头是一组中间无剪切的连续性移动镜头，其持续时间为3秒，表演时7名成员一字排开，镜头从组合的最右边成员开始，向右采用摇镜头，至第五名成员为止停留，这时镜头变为向后的拉镜头，最后定格为7名成员的全景，整个过程镜头的移动一气呵成，而演员的表演几乎是原地不动，却给人一种不呆板、活泼跳动的感觉，这正是移动镜头。
（二）注重特写镜头的运用
韩国打榜节目将大量特写镜头融入运动镜头中，并利用频繁的镜头切换，给人们带来一场场眼花缭乱的视听盛宴。一首歌曲的表演全程，若远景镜头或中景镜头过多，而没有人物细节的刻画，会给人一种压抑沉闷的感受，远近景交替使用更能给电视画面增添生气。
又因韩国流行音乐多以节奏感极强的电子音乐舞曲为主，因此，利用特写镜头可以给画面一种跳跃活泼的欢乐氛围，并与歌曲舞蹈的风格达成协调统一。
（三）镜头组接注重表现歌曲及舞蹈的戏剧化情节
韩国流行音乐的表现形式是一种充满戏剧性的表演形式，每一个演唱者都会根据歌词的不同在舞台的不同位置进行表演。为了尽可能满足观众对画面多元性、丰富性的需要，并使歌曲及编舞中所蕴含的戏剧化情节叙述详尽，节目编导在一首歌曲中采用频繁的切镜头。这些切镜头并不是杂乱无章的，其遵循的基本规律是：谁唱镜头切给谁，合唱或副歌转全景或利用移镜头展现全景，分区域表演先全景交代，再切局部。这种远、近、特写镜头交叉呼应的拍摄方式，能最大程度展现歌曲编排中戏剧化的表现意愿，并达到增强画面丰富性的目的。
下面一组镜头，就是移动镜头如何捕捉画面重点、诠释歌曲表演中戏剧化成分的例子。在每个节目的表演过程中，各节目的编舞者多将舞台划分区域，让歌手在不同区域进行表演，其目的是使画面更富有层次感。如下页图4所示，被框起的三个人是在一个区域做动态表演，其他演员静止做表演，这时镜头切到屏幕最左侧三个做动态表演的演员，并采用全
身范围内的中景镜头，达到突出主体女生演唱者的目的，最后以歌手的面部特写结束这组镜头。在此过程中，遵循的规律是：远景、中景、特写，景别从大到小进行拍摄。这样，就达到了有主有次、泾渭分明的效果，使观众的注意力集中到更具戏剧化的动态表演上来，又不至于让观众产生“其他演员去哪里了”的错觉感。
近期，韩国电视编导又创造性地将一种纪录片的拍摄方式引入歌舞节目的表演中，这种被称为ONE TAKE的表演形式实际上就是纪录片摄像中最常用的跟拍。这种最原始的拍摄方式却产生了意想不到的效果。所谓ONE TAKE又称为“一镜到底”的拍摄，中间没有任何切镜头，是电影中的长镜头在舞台艺术中的完整体现，采用这种表现形式的歌曲有EXO组合的《Growl》和《Overdose》，少女时代组合的《Mr. Mr》等。采用ONE TAKE镜头表现整首歌曲，也遵照“谁唱给谁特写，合唱给全景”的拍摄方法，能够使观众更加清楚组合人员歌词及舞蹈比例的分配情况，更加注重呈现表演的客观性。